Artisti americani. 7 maestri che hanno sorpreso il mondo

Gli artisti americani sono molto diversi. Qualcuno era un chiaro cosmopolita, come Sargent. È un americano di origine, ma ha vissuto a Londra e Parigi per quasi tutta la sua vita adulta.

Ci sono anche autentici americani tra loro, che hanno ritratto la vita solo dei loro compatrioti, come Rockwell.

E ci sono artisti fuori dal mondo, come Pollock. O quelli la cui arte è diventata un prodotto della società dei consumi. Questo, ovviamente, riguarda Warhol.

Tuttavia, sono tutti americani. Amante della libertà, audace, brillante. Leggi circa sette di loro di seguito.

1. James Whistler (1834-1903)

Whistler difficilmente può essere definito un vero americano. Crescendo, ha vissuto in Europa. E ha trascorso la sua infanzia a tutti ... in Russia. Suo padre costruì una ferrovia a San Pietroburgo.

Fu lì che il ragazzo Giacomo si innamorò dell'arte, visitando l'Eremo e Peterhof grazie ai legami del padre (allora erano ancora palazzi chiusi al pubblico).

Perché Whistler è famoso? In qualunque stile dipinga, dal realismo al tonalismo*, può essere riconosciuto quasi immediatamente da due caratteristiche. Colori insoliti e nomi musicali.

Alcuni dei suoi ritratti sono imitazioni di antichi maestri. Come, ad esempio, il suo famoso ritratto "La madre dell'artista".

L'artista ha creato opere straordinarie utilizzando colori che vanno dal grigio chiaro al grigio scuro. E un po' di giallo.

Ma questo non significa che a Whistler piacessero questi colori. Era una persona straordinaria. Potrebbe facilmente apparire in società con calzini gialli e con un ombrello luminoso. Ed è allora che gli uomini si vestono esclusivamente di nero e grigio.

Ha anche opere molto più leggere di "Mother". Ad esempio, Sinfonia in bianco. Così la foto è stata chiamata da uno dei giornalisti della mostra. A Whistler piaceva l'idea. Da allora, ha chiamato quasi tutte le sue opere in modo musicale.

Ma poi, nel 1862, al pubblico non piacque la Sinfonia. Ancora una volta, a causa degli schemi di colori idiosincratici di Whistler. Alla gente sembrava strano scrivere una donna in bianco su sfondo bianco.

Nella foto vediamo l'amante dai capelli rossi di Whistler. Proprio nello spirito dei preraffaelliti. Dopotutto, allora l'artista era amico di uno dei principali iniziatori del preraffaelismo, Gabriel Rossetti. Bellezza, gigli, elementi insoliti (pelle di lupo). Tutto è come dovrebbe essere.

Ma Whistler si allontanò rapidamente dal preraffaelismo. Dal momento che per lui non era importante la bellezza esteriore, ma l'umore e le emozioni. E ha creato una nuova direzione: il tonalismo.

I suoi paesaggi notturni nello stile del tonalismo sembrano davvero musica. Monocromatico, viscoso.

Lo stesso Whistler ha affermato che i nomi musicali aiutano a concentrarsi sul dipinto stesso, sulle linee e sul colore. Allo stesso tempo, senza pensare al luogo e alle persone che vengono raffigurate.

Tonalismo, così come vicino ad esso impressionismo, a metà del 19° secolo, anche il pubblico non ne fu colpito. Troppo lontano dal realismo popolare dell'epoca.

Ma Whistler avrà tempo per aspettare il riconoscimento. Entro la fine della sua vita, il suo lavoro sarà acquistato volentieri.

2. Mary Cassatt (1844-1926)

Mary Cassatt è nata in una famiglia benestante. Potrebbe vivere una vita spensierata. Sposarsi e avere figli. Ma ha scelto una strada diversa. Avendo fatto voto di celibato per amore della pittura.

Era amica di lei Edgar Degas. Arrivato mercoledì impressionisti, per sempre portato via da questa direzione. E la sua "Girl in a Blue Armchair" è la prima opera impressionista che il pubblico ha visto.

Ma a nessuno è davvero piaciuta l'immagine. Nel 19° secolo, i bambini erano raffigurati come angeli obbedienti seduti, con riccioli arricciati e guance rosee. Ed ecco un bambino chiaramente annoiato, seduto in una posizione troppo rilassata.

Ma è stata Mary Cassatt, che non ha mai avuto figli, ad essere stata quasi la prima a ritrarli naturali come sono.

Per quel tempo, Cassatt aveva un grave "difetto". Era una donna. Non poteva permettersi di andare da sola al parco a dipingere dalla natura. Soprattutto per andare in un bar dove si radunavano altri artisti. Tutti gli uomini! Cosa le restava?

Scrivi monotoni tea party per donne in soggiorni con caminetti in marmo e costosi servizi da tè. La vita è misurata e infinitamente noiosa.

Mary Cassatt non ha aspettato il riconoscimento. All'inizio, fu rifiutata per il suo impressionismo e per i suoi presunti dipinti incompiuti. Poi, già nel XX secolo, era nettamente "obsoleto", poiché l'Art Nouveau era di moda (Klimt) e Fauvismo (Matisse).

Ma è rimasta fedele al suo stile fino alla fine. Impressionismo. Pastello morbido. Mamme con bambini.

Per amore della pittura, Cassatt ha abbandonato la maternità. Ma la sua femminilità si manifestava sempre più proprio in opere così delicate come Sleeping Child. È un peccato che una società conservatrice una volta l'abbia messa di fronte a una tale scelta.

3. John Sargent (1856-1925)

John Sargent era sicuro che sarebbe stato un ritrattista per tutta la vita. La carriera stava andando bene. Gli aristocratici si sono messi in fila per ordinarlo.

Ma una volta che l'artista ha superato il limite nell'opinione della società. Ora è difficile per noi capire cosa ci sia di così inaccettabile nel film "Madame X".

È vero, nella versione originale, l'eroina aveva omesso uno dei bralette. Sargent l'ha "sollevata", ma questo non ha aiutato il caso. Gli ordini sono arrivati ​​a zero.

Che cosa osceno ha visto il pubblico? E il fatto che Sargent abbia interpretato la modella in una posa troppo sicura di sé. Inoltre, la pelle traslucida e un orecchio rosa sono molto eloquenti.

L'immagine, per così dire, dice che questa donna con una maggiore sessualità non è contraria ad accettare il corteggiamento di altri uomini. Inoltre, essere sposato.

Sfortunatamente, dietro questo scandalo, i contemporanei non hanno visto il capolavoro. Abito scuro, pelle chiara, posa dinamica: una combinazione semplice che può essere trovata solo dai maestri più talentuosi.

Ma non c'è male senza bene. Sargent ha ricevuto la libertà in cambio. Iniziò a sperimentare di più con l'impressionismo. Scrivi i bambini in situazioni immediate. È così che è apparsa l'opera "Carnation, Lily, Lily, Rose".

Sargent voleva catturare un momento specifico del crepuscolo. Quindi ho lavorato solo 2 minuti al giorno quando l'illuminazione era giusta. Ha lavorato in estate e in autunno. E quando i fiori appassirono, li sostituì con quelli artificiali.

Negli ultimi decenni, Sargent si è talmente appassionato al gusto della libertà che ha iniziato ad abbandonare del tutto i ritratti. Anche se la sua reputazione è già stata ripristinata. Ha persino licenziato bruscamente un cliente, dicendo che avrebbe dipinto il suo cancello con un grande piacere rispetto al suo viso.

I contemporanei hanno trattato Sargent con ironia. Considerandolo obsoleto nell'età del modernismo. Ma il tempo ha messo tutto al suo posto.

Ora il suo lavoro vale non meno del lavoro dei modernisti più famosi. Bene, per non parlare dell'amore del pubblico e non dire nulla. Le mostre con il suo lavoro sono sempre esaurite.

4. Norman Rockwell (1894-1978)

È difficile immaginare un artista più popolare durante la sua vita di Norman Rockwell. Diverse generazioni di americani sono cresciute sulle sue illustrazioni. Amandoli con tutto il cuore.

Dopotutto, Rockwell ha interpretato gli americani normali. Ma allo stesso tempo mostrare le loro vite dal lato più positivo. Rockwell non voleva mostrare né padri malvagi né madri indifferenti. E non incontrerai bambini infelici con lui.

Le sue opere sono piene di umorismo, colori succosi ed espressioni molto abilmente catturate dalla vita.

Ma è un'illusione che l'opera sia stata data facilmente a Rockwell. Per creare un dipinto, avrebbe prima scattato fino a un centinaio di fotografie con i suoi modelli per catturare i gesti giusti.

Il lavoro di Rockwell ha avuto un enorme impatto sulle menti di milioni di americani. Dopotutto, parlava spesso con l'aiuto dei suoi dipinti.

Durante la seconda guerra mondiale decise di mostrare per cosa stavano combattendo i soldati del suo paese. Dopo aver creato, tra l'altro, il dipinto "Freedom from Want". Nella forma del Ringraziamento, in cui tutti i membri della famiglia, ben nutriti e soddisfatti, si godono la vacanza in famiglia.

Dopo 50 anni al Saturday Evening Post, Rockwell è passato alla più democratica rivista Look, dove ha potuto esprimere le sue posizioni sui temi sociali.

L'opera più brillante di quegli anni è "Il problema con cui viviamo".

Questa è la vera storia di una ragazza di colore che ha frequentato una scuola di bianchi. Da quando è stata approvata una legge che le persone (e quindi le istituzioni educative) non dovrebbero più essere divise in base a criteri razziali.

Ma la rabbia degli abitanti non conosceva limiti. Sulla strada per la scuola, la ragazza è stata sorvegliata dalla polizia. Ecco un momento così "di routine" e ha mostrato Rockwell.

Se vuoi conoscere la vita degli americani sotto una luce leggermente abbellita (come loro stessi volevano vederla), assicurati di guardare i dipinti di Rockwell.

Forse, di tutti i pittori presentati in questo articolo, Rockwell è l'artista più americano.

5. Andrew Wyeth (1917-2009)

A differenza di Rockwell, Wyeth non era così positivo. Recluso per natura, non cercava di abbellire nulla. Al contrario, ha rappresentato i paesaggi più ordinari e le cose insignificanti. Solo un campo di grano, solo una casa di legno. Ma è anche riuscito a sbirciare qualcosa di magico in loro.

La sua opera più famosa è Christina's World. Wyeth ha mostrato il destino di una donna, la sua vicina. Essendo rimasta paralizzata fin dall'infanzia, ha strisciato nell'area intorno alla sua fattoria.

Quindi non c'è niente di romantico in questa foto, come potrebbe sembrare a prima vista. Se guardi da vicino, la donna ha una magrezza dolorosa. E sapendo che le gambe dell'eroina sono paralizzate, capisci con tristezza quanto sia ancora lontana da casa.

A prima vista, Wyeth ha scritto il più banale. Ecco la vecchia finestra della vecchia casa. Una tenda squallida che ha già cominciato a trasformarsi in brandelli. Fuori dalla finestra si oscura la foresta.

Ma c'è del mistero in tutto questo. Qualche altro sguardo.

Così i bambini sono in grado di guardare il mondo con uno sguardo impassibile. Così fa Wyatt. E noi siamo con lui.

Tutti gli affari di Wyeth erano gestiti da sua moglie. Era una buona organizzatrice. Fu lei a contattare musei e collezionisti.

C'era poca storia d'amore nella loro relazione. La musica doveva apparire. E divenne una Helga semplice, ma dall'aspetto straordinario. Questo è ciò che vediamo in molte opere.

Sembrerebbe di vedere solo un'immagine fotografica di una donna. Ma per qualche ragione, è difficile staccarsene. I suoi occhi sono troppo complessi, le sue spalle tese. Noi, per così dire, ci stiamo sforzando internamente con lei. Lottando per trovare una spiegazione a questa tensione.

Descrivendo la realtà in ogni dettaglio, Wyeth l'ha magicamente dotata di emozioni che non possono lasciare indifferenti.

L'artista non è stato riconosciuto per molto tempo. Con il suo realismo, seppur magico, non si adattava alle tendenze moderniste del XX secolo.

Quando i lavoratori del museo acquistavano le sue opere, cercavano di farlo in silenzio, senza attirare l'attenzione. Raramente venivano organizzate mostre. Ma per l'invidia dei modernisti, sono sempre stati un successo clamoroso. La gente veniva a frotte. E vengono ancora.

Leggi l'artista con l'articolo Il mondo di Cristina. Il capolavoro di Andrew Wyeth".

6. Jackson Pollock (1912-1956)

Jackson Pollock è impossibile da ignorare. Ha attraversato una certa linea nell'arte, dopo di che la pittura non poteva essere la stessa. Ha mostrato che nell'arte, in generale, si può fare a meno dei confini. Quando ho posato la tela sul pavimento e l'ho spruzzata di vernice.

E questo artista americano iniziò con l'astrattismo, in cui il figurativo è ancora rintracciabile. Nella sua opera degli anni '40 "Shorthand Figure" vediamo i contorni sia del viso che delle mani. E anche per noi comprensibili simboli sotto forma di croci e zeri.

Il suo lavoro è stato elogiato, ma non avevano fretta di acquistare. Era povero come un topo di chiesa. E bevve spudoratamente. Nonostante un matrimonio felice. Sua moglie ammirava il suo talento e ha fatto di tutto per il successo di suo marito.

Ma in origine Pollock era una personalità spezzata. Fin dalla sua giovinezza, dalle sue azioni era chiaro che la morte prematura era la sua sorte.

Questa rottura di conseguenza lo porterà alla morte all'età di 44 anni. Ma avrà tempo per fare una rivoluzione nell'arte e diventare famoso.

E lo ha fatto in un periodo di due anni di sobrietà. Ha potuto lavorare fruttuosamente nel 1950-1952. Ha sperimentato a lungo fino ad arrivare alla tecnica del drip.

Stendendo un'enorme tela sul pavimento del suo capanno, ci girò intorno, essendo, per così dire, nel quadro stesso. E vernice spruzzata o semplicemente versata.

Questi dipinti insoliti cominciarono ad essere acquistati da lui volentieri per la loro incredibile originalità e novità.

Pollock fu sbalordito dalla fama e cadde in depressione, non capendo dove andare dopo. La micidiale miscela di alcol e depressione non gli lasciava alcuna possibilità di sopravvivenza. Una volta si mise al volante molto ubriaco. Ultima volta.

7. Andy Warhol (1928-1987)

Solo in un Paese con un tale culto del consumo, come l'America, potrebbe nascere la pop art. E il suo principale iniziatore fu, ovviamente, Andy Warhol.

Divenne famoso per aver preso le cose più ordinarie e trasformandole in un'opera d'arte. È quello che è successo alla lattina di zuppa di Campbell.

La scelta non è stata casuale. La madre di Warhol ha dato da mangiare a suo figlio questa zuppa ogni giorno per oltre 20 anni. Anche quando si trasferì a New York e portò con sé sua madre.

Dopo questo esperimento, Warhol si interessò alla serigrafia. Da allora, ha scattato immagini di pop star e le ha dipinte in diversi colori.

È così che è apparsa la sua famosa Marilyn Monroe dipinta.

Sono state prodotte una miriade di tali colori acidi Marilyn. Art Warhol messo in onda. Come ci si aspetta in una società dei consumi.

I volti dipinti sono stati inventati da Warhol per una ragione. E ancora, non senza l'influenza della madre. Da bambina, durante una prolungata malattia del figlio, lo trascinava con pacchi di libri da colorare.

Questo hobby dell'infanzia è diventato qualcosa che è diventato il suo biglietto da visita e lo ha reso straordinariamente ricco.

Ha dipinto non solo le pop star, ma anche i capolavori dei suoi predecessori. Capito e "Venere" Botticelli.

Venere, come Marilyn, ha fatto molto. L'esclusività di un'opera d'arte viene "cancellata" da Warhol in polvere. Perché l'artista ha fatto questo?

Per rendere popolari vecchi capolavori? O, al contrario, provare a svalutarli? Per immortalare le pop star? O ravvivare la morte con ironia?

Le sue opere dipinte di Madonna, Elvis Presley o Lenin sono talvolta più riconoscibili delle foto originali.

Ma è improbabile che i capolavori vengano oscurati. Tuttavia, la "Venere" primordiale rimane inestimabile.

Warhol era un appassionato frequentatore di feste, attirando molti emarginati. Tossicodipendenti, attori falliti o semplicemente personalità squilibrate. Uno dei quali una volta gli ha sparato.

Warhol è sopravvissuto. Ma 20 anni dopo, a causa delle conseguenze di una ferita che aveva subito, morì solo nel suo appartamento.

melting pot statunitense

Nonostante la breve storia dell'arte americana, la gamma è ampia. Tra gli artisti americani ci sono impressionisti (Sargent), realisti magici (Wyeth), espressionisti astratti (Pollock) e pionieri della pop art (Warhol).

Bene, gli americani amano la libertà di scelta in tutto. Centinaia di denominazioni. Centinaia di nazioni. Centinaia di direzioni artistiche. Ecco perché è il melting pot degli Stati Uniti d'America.

*Tonalismo: paesaggi monocromatici con sfumature di grigio, blu o marrone, quando l'immagine è come in una nebbia. Il tonalismo è considerato una propaggine dell'impressionismo, poiché trasmette l'impressione dell'artista di ciò che ha visto.

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