Art Archive Artista in primo piano: Ann Kullough

Incontra l'artista dall'archivio d'arte. Un'artista di nature morte e paesaggi visivamente accattivanti, Anne si sforza di illustrare più di quanto sembri. Il suo stile dinamico affascina gli spettatori, facendoli guardare due volte a scene e oggetti ordinari.

Questa passione guida il suo lavoro e, a sua volta, alimenta la sua illustre carriera di insegnante e i suoi popolari account sui social media. Dalla promozione dei suoi workshop all'ultimo minuto alla presentazione delle sue tecniche, Ann mostra magistralmente come l'insegnamento e i social media completino una strategia di business artistico.

Credendo che vendere lavori sia solo l'inizio, condivide i suoi consigli di marketing sui social media e ciò che insegna ai suoi studenti su come essere un'artista fuori dalla scuola.

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1. NATURALE VITA E PAESAGGI SONO FONDAMENTALI NEI TUOI LAVORI. COSA TI ISPIRA DI QUESTI TEMI E COME VIENI A CONCENTRARTI SU DI LORO?

Trovo cose visivamente interessanti che potrebbero non avere un significato visivo. Guardo il mondo con una visione astratta. Io lavoro lo stesso indipendentemente dall'argomento. Poiché preferisco disegnare dal vero piuttosto che dalle fotografie, scelgo spesso la natura morta come soggetto. Uso anche la natura morta come mezzo per insegnare ai miei studenti l'importanza dell'osservazione diretta (lavorare dal vero) come mezzo per sviluppare un occhio allenato.

Guardo cosa posso ottenere da ogni articolo, non solo quello che è. Voglio creare qualcosa che sia bello da vedere; qualcosa di spontaneo, vivace, che fa muovere molto lo sguardo. Voglio che lo spettatore lo guardi più di una volta. Voglio che il mio lavoro mostri più di quello che è.

Disegno fin da bambino, ho studiato arte al college e ho sempre guardato le cose da un punto di vista puramente visivo. Sto cercando forme interessanti, illuminazione e qualsiasi cosa che mi faccia venire voglia di guardare un oggetto una seconda volta. Questo è ciò che disegno. Potrebbero non essere unici o necessariamente belli, ma cerco di mostrare ciò che vedo in loro che li rende unici per me.

2. LAVORATE CON I VARI MATERIALI (ACQUERELLI, BOCCA, ACRILICO, OLIO, ECC.), CHE PERMETTE DI RENDERE L'ARTE REALISTICA ED IMPRESSIONISTA. QUALI STRUMENTI TI PIACE USARE E PERCHE'?

Mi piacciono tutti gli ambienti per diverse applicazioni e per diversi motivi. Amo l'acquerello quando si tratta di espressione. Mi piace ottenere il soggetto giusto e quindi usare il colore, la trama e i tratti per portarlo al livello successivo.

L'acquerello è così imprevedibile e così fluido. Mi piace considerarlo come una serie di reazioni mentre registro ogni colpo. A differenza della maggior parte degli acquerellisti, non disegno prima il soggetto a matita. Sposto la vernice per creare le immagini che voglio. Non uso nemmeno la tecnica dell'acquerello, dipingo con un pennello, a volte in una sola tonalità, a volte a colori. Si tratta di disegnare il soggetto su carta, ma allo stesso tempo prestare attenzione a ciò che il mezzo sta facendo.

Il modo in cui applichi la vernice su tela o carta è altrettanto importante, se non più importante, dell'argomento. Penso che l'artista dovrebbe iniziare con una grande struttura in termini di disegno generale e composizione, ma devono portare di più sul tavolo e mostrare allo spettatore come percepire l'oggetto.

Ciò che rende qualcosa di unico, ciò che ti fa venire voglia di guardarlo, è intangibile. Si tratta più del gesto e del momento piuttosto che dei piccoli dettagli. Questa è tutta l'idea di spontaneità, luce e vibrazione che voglio infondere nel mio lavoro.

3. COME DESCRIVERESTI I TUOI METODI COME ARTISTA? PREFERISCI LAVORARE IN STUDIO O ESSERE FUORI?

Preferisco lavorare sempre dalla vita quando possibile. Se sono dentro, metterò su una natura morta. Assolutamente disegno nature morte dalla vita, perché ne vedi di più. Questo è più difficile e allena l'occhio a vedere cosa stai guardando. Più attingi dalla vita, più profondità raggiungerai e diventerai un disegnatore migliore.

Mi piace lavorare sul posto ogni volta che è possibile perché mi piace lavorare all'aperto. Se sono al chiuso, di solito abbozzo il mio pezzo sulla base di ricerche fatte in loco, combinate con alcune fotografie molto veloci. Ma mi affido più alla ricerca che alle fotografie: le fotografie sono solo un punto di partenza. Sono piatti e non ha senso essere lì. Non posso essere lì quando sto lavorando a un pezzo grande, ma disegno nel mio album da disegno - adoro gli schizzi ad acquerello - e li porto nel mio studio.

Disegnare dal vero è molto importante, soprattutto per coloro che stanno appena iniziando a disegnare. Se disegni a lungo, hai abbastanza esperienza per scattare una foto e trasformarla in qualcosa di più. Un artista alle prime armi va per una copia. Non approvo il lavoro con le fotografie e penso che gli artisti dovrebbero rimuovere la parola "copia" dal loro vocabolario. Le foto sono solo un punto di partenza.

4. COSA HANNO RISPOSTE MEMORABILI HAI IL TUO LAVORO?

Sento spesso le persone dire: "Wow, è così vivo, così luminoso, ha una vera energia". La gente dice dei miei paesaggi urbani: "Potrei entrare direttamente nell'immagine". Tali risposte mi rendono molto felice. Questo è proprio quello che voglio dire con il mio lavoro.

Le trame sono molto vive e piene di energia: lo spettatore dovrebbe volerle esplorare. Non voglio che il mio lavoro sembri statico, non voglio che assomigli a una fotografia. Voglio sentire che c'è "tanto movimento" in esso. Se ti allontani da esso, forma un'immagine. Se guardi da vicino, è una miscela di colori. Quando hai i valori e il colore nei posti giusti, è lì che accade la magia. Ecco cos'è la pittura.

Dovrai preparare un blocco note e una matita per questi suggerimenti artistici intelligenti (o pulsanti dei segnalibri).

5. HAI UN GRANDE BLOG, OLTRE 1,000 ABBONATI INSTAGRAM E OLTRE 3,500 FAN FACEBOOK. COSA INFLUENZA I TUOI POST OGNI SETTIMANA E IN CHE MODO I SOCIAL MEDIA HANNO AIUTO IL TUO BUSINESS ARTISTICO?

Non separo il mio insegnamento dalla mia attività artistica. Lo considero parte integrante di quello che faccio. Ricevo parte del mio reddito da corsi e masterclass, l'altra parte da pittura. Questa combinazione costituisce la mia attività artistica. Uso i social media per aumentare la consapevolezza del mio lavoro, presentarlo alle persone e raggiungere potenziali studenti.

Quando ho bisogno di una o due persone in più per completare i miei workshop, scrivo su Facebook. Di solito coinvolgo le persone perché scrivo sulle materie insegnate in classe. Ho anche persone che sono potenziali collezionisti che vengono agli spettacoli, quindi rivolgo i miei post alla mia regione e le persone vengono. Attira persone che non conosco da mostrare nella mia zona e aiuta sicuramente a far conoscere il mio lavoro.

Ho così tanti post sui social media perché ogni volta che faccio una demo, la pubblico. Dà ad altri artisti e futuri studenti un'idea di cosa insegno, di come mi avvicino alle materie e di quanto lavoro ci vuole per diventare un maestro.

Molti principianti non vedono l'ora di arrivare al livello in cui sanno cosa stanno facendo. Chiedono quando saranno pronti per la mostra in galleria. Ci vuole molto tempo e uno sforzo costante per creare un corpus di opere prima di considerare le mostre in galleria. Apprezzo quanto lavoro e impegno ci vuole davvero.

Pubblico anche contenuti educativi per altri artisti che stanno cercando di portarli al livello successivo. Questo li indirizza nella giusta direzione e risveglia il loro interesse a lavorare con me in una classe futura.

Mantengo i post del mio blog autentici e positivi - questo è davvero importante per me. Ci sono molte cose che non sono importanti per gli artisti principianti, quindi voglio fornire a questi artisti le basi.

6. SEI UN INSEGNANTE DEL CENTRO DI BELLE ARTI DI NEW JERSEY, DEL MUSEO D'ARTE DI HUNTERDON E DEL CENTRO DI ARTI CONTEMPORANEE. COME SI ADATTA QUESTO AL TUO BUSINESS ARTISTICO?

Faccio sempre dimostrazioni e considero l'insegnamento come parte della mia attività artistica. Alcuni dei miei migliori disegni provengono da dimostrazioni quando insegno agli studenti.

Amo dimostrare. Sono interessato a fornire agli studenti set di abilità che possono utilizzare da soli. Ottieni di più dalle lezioni quando l'attenzione è concentrata sull'apprendimento piuttosto che sul tempo individuale in studio.

Uso il mio lavoro come esempi. Porto gli studenti in viaggio con me. Inizio ogni lezione con una dimostrazione. Ho sempre un concetto che evidenzierò in una demo, come i colori complementari, la prospettiva o la composizione.

Faccio anche molti workshop plein air, quindi combino il workshop con alcuni giorni di pittura. Quest'estate insegno pastelli e acquerelli ad Aspen. Userò la ricerca quando tornerò per progetti più grandi.

Posso parlare e disegnare allo stesso tempo, non mi confonde davvero. Penso che alcune persone abbiano problemi con questo. È importante che la tua demo abbia senso. Parlane e tienilo a mente per rimanere concentrato. Assicurati che questo sia un punto molto importante in quello che stai facendo. Ovviamente, se sto lavorando su una commissione, non lo farò in classe. Ho fatto alcuni dei pezzi grandi in classe e ho fatto dei piccoli pezzi per la vendita. Se hai intenzione di insegnare, devi essere in grado di farlo. Gli studenti che studiano arte sono studenti visivi.

7. QUAL È LA TUA FILOSOFIA COME INSEGNANTE E LEZIONE NUMERO UNO VUOI MEMOORIZZARE I TUOI STUDENTI?

Sii autentico. Non cercare di essere qualcun altro oltre a te stesso. Se hai qualcosa di forte, sfruttalo al meglio. Se ci sono aree in cui sei debole, affrontale. Iscriviti a un corso di disegno o a un laboratorio di miscelazione dei colori. Riconosci il fatto che devi combattere le tue debolezze e fare del tuo meglio con esse.

Rimani fedele a ciò che ti eccita. Amo disegnare e amo la pittura astratta, ma non mi vedo mai diventare un puro artista astratto perché amo troppo disegnare. Questa è una parte importante per me come artista.

Non decidere cosa disegnerai in modo più realistico per aumentare le vendite se non è quello che vuoi. Disegna ciò che ti guida e ti eccita di più. Qualcosa di meno di questo non è il tuo miglior lavoro.

Lavora sui tuoi punti deboli e costruisci i tuoi punti di forza. Insegui ciò a cui tieni veramente e fallo. Non cambiare per accontentare il mercato perché non puoi mai accontentare tutti. Ecco perché non faccio molti ordini. Non voglio disegnare un'immagine di un'altra persona e metterci sopra il mio nome. Se non ti interessa disegnare qualcosa, non farlo. Meglio allontanarsi da lui che rischiare di rovinare la tua reputazione di artista.

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