Prospettiva lineare nella pittura. Segreti principali
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La stragrande maggioranza dei dipinti e degli affreschi degli ultimi 500 anni è stata realizzata secondo le regole della prospettiva lineare. È lei che aiuta a trasformare lo spazio 2D in un'immagine 3D. Questa è la tecnica principale con cui gli artisti creano l'illusione della profondità. Ma tutt'altro che sempre, i maestri hanno seguito tutte le regole della costruzione prospettica.
Diamo un'occhiata ad alcuni capolavori e vediamo come gli artisti hanno costruito lo spazio attraverso una prospettiva lineare in tempi diversi. E perché a volte hanno infranto alcune delle sue regole.
Leonardo Da Vinci. L'ultima Cena
Durante il Rinascimento furono sviluppati i principi della prospettiva lineare diretta. Se prima gli artisti costruivano lo spazio in modo intuitivo, a occhio, allora nel XV secolo impararono a costruirlo matematicamente in modo accurato.
Leonardo da Vinci alla fine del XV secolo sapeva già perfettamente come costruire lo spazio su un piano. Nel suo affresco "L'ultima cena" vediamo questo. Le linee prospettiche sono facili da disegnare lungo le linee del soffitto e delle tende. Si collegano in un punto di fuga. Attraverso lo stesso punto passa la linea dell'orizzonte, o la linea degli occhi.
Quando l'orizzonte reale è raffigurato nell'immagine, la linea degli occhi passa solo all'incrocio tra cielo e terra. Allo stesso tempo, è più spesso nell'area dei volti dei personaggi. Tutto questo lo osserviamo nell'affresco di Leonardo.
Il punto di fuga è nell'area del volto di Cristo. E la linea dell'orizzonte passa attraverso i suoi occhi, così come attraverso gli occhi di alcuni degli apostoli.
Questa è una costruzione dello spazio da manuale, costruita secondo le regole della prospettiva lineare DIRETTA.
E questo spazio è centrato. La linea dell'orizzonte e la linea verticale passante per il punto di fuga dividono lo spazio in 4 parti uguali! Questa costruzione rifletteva la visione del mondo di quell'epoca con un forte desiderio di armonia ed equilibrio.
Successivamente, tale costruzione avverrà sempre meno. Per gli artisti, questa sembrerà una soluzione troppo semplice. Loro bsoffiare e spostare la linea verticale con il punto di fuga. E alza o abbassa l'orizzonte.
Anche se prendiamo una copia dell'opera di Raphael Morgen, creata a cavallo tra il XNUMX° e il XNUMX° secolo, vedremo che non ha potuto ... resistere a una tale centricità e ha spostato la linea dell'orizzonte più in alto!
Ma a quel tempo, costruire uno spazio come quello di Leonardo fu un'incredibile svolta nella pittura. Quando tutto è verificato in modo accurato e perfetto.
Vediamo quindi come veniva rappresentato lo spazio prima di Leonardo. E perché la sua "Ultima Cena" sembrava qualcosa di speciale.
affresco antico
Gli artisti antichi rappresentavano lo spazio in modo intuitivo, utilizzando la cosiddetta prospettiva osservativa. Ecco perché vediamo errori evidenti. Se tracciamo linee prospettiche lungo facciate e superfici, troveremo fino a tre punti di fuga e tre linee di orizzonte.
Idealmente, tutte le linee dovrebbero convergere in un punto, che si trova sulla stessa linea dell'orizzonte. Ma poiché lo spazio è stato costruito intuitivamente, senza conoscere le basi matematiche, è risultato proprio così.
Ma non si può dire che faccia male all'occhio. Il fatto è che tutti i punti di fuga sono sulla stessa linea verticale. L'immagine è simmetrica e gli elementi sono quasi gli stessi su entrambi i lati della verticale. Questo è ciò che rende un affresco equilibrato ed esteticamente bello.
In effetti, una tale immagine dello spazio è più vicina alla percezione naturale. Dopotutto, è difficile immaginare che una persona possa guardare il paesaggio urbano da un punto, rimanendo ferma. Solo così possiamo vedere cosa ci offre la prospettiva lineare matematica.
Dopotutto, puoi guardare lo stesso paesaggio in piedi, seduto o dal balcone di casa. E poi la linea dell'orizzonte o è più bassa o più alta... Questo è ciò che osserviamo su un affresco antico.
Ma tra l'affresco antico e l'Ultima Cena di Leonardo c'è un grande strato d'arte. Iconografia.
Lo spazio sulle icone era rappresentato in modo diverso. Propongo di dare un'occhiata alla "Santa Trinità" di Rublev.
Andrei Rublev. La Santa Trinità.
Osservando l'icona di Rublev "Holy Trinity", notiamo immediatamente una caratteristica. Gli oggetti in primo piano NON sono chiaramente disegnati secondo le regole della prospettiva lineare diretta.
Se disegni linee prospettiche sullo sgabello sinistro, si collegheranno ben oltre l'icona. Questa è la cosiddetta prospettiva lineare REVERSE. Quando il lato opposto dell'oggetto è più largo di quello più vicino allo spettatore.
Ma le linee prospettiche della tribuna di destra non si intersecheranno mai: sono parallele tra loro. Si tratta di una prospettiva lineare ASSONOMETRICA, quando oggetti, specie poco allungati in profondità, sono rappresentati con i lati paralleli tra loro.
Perché Rublev ha raffigurato gli oggetti in questo modo?
L'accademico B.V. Raushenbakh negli anni '80 del XX secolo ha studiato le caratteristiche della visione umana e ha attirato l'attenzione su una caratteristica. Quando siamo molto vicini a un oggetto, lo percepiamo in una prospettiva leggermente inversa, oppure non notiamo alcun cambiamento di prospettiva. Ciò significa che il lato dell'oggetto più vicino a noi sembra leggermente più piccolo di quello più lontano, oppure i suoi lati sono gli stessi. Tutto questo vale anche per la prospettiva osservativa.
A proposito, questo è il motivo per cui i bambini spesso disegnano oggetti in prospettiva inversa. E percepiscono anche i cartoni animati con un tale spazio più facilmente! Vedi: gli oggetti dei cartoni sovietici sono raffigurati in questo modo.
Gli artisti hanno intuito intuitivamente questa caratteristica della vista molto prima della scoperta di Rauschenbach.
Quindi, il maestro del XIX secolo ha costruito lo spazio, sembrerebbe, secondo tutte le regole della prospettiva lineare diretta. Ma fai attenzione alla pietra in primo piano. È raffigurato in una prospettiva inversa leggera!
L'artista utilizza prospettive sia dirette che inverse in un'opera. E in generale, Rublev fa lo stesso!
Se il primo piano dell'icona è raffigurato nell'ambito di una prospettiva osservativa, sullo sfondo dell'icona l'edificio è raffigurato secondo le regole della ... prospettiva diretta!
Come l'antico maestro, Rublev ha funzionato in modo intuitivo. Pertanto, ci sono due linee di occhi. Osserviamo le colonne e l'ingresso al portico dallo stesso livello (linea degli occhi 1). Ma sulla parte del soffitto del portico - dall'altro (linea degli occhi 2). Ma è ancora una prospettiva diretta.
Ora avanti veloce al 100° secolo. A questo punto, la prospettiva lineare era stata studiata molto bene: erano passati più di XNUMX anni dai tempi di Leonardo. Vediamo come veniva utilizzato dagli artisti di quell'epoca.
Jan Vermeer. Lezione di musica
È chiaro che gli artisti del XVII secolo già padroneggiavano magistralmente la prospettiva lineare.
Vedi come il lato destro del dipinto di Jan Vermeer (a destra dell'asse verticale) è più piccolo del sinistro?
Se nell'"Ultima Cena" di Leonardo la linea verticale è esattamente nel mezzo, allora in Vermeer si sposta già a destra. Pertanto, la prospettiva di Leonardo si può chiamare CENTRALE, e Vermeer - LATERALE.
Per questa differenza, in Vermeer vediamo due pareti della stanza, in Leonardo - tre.
Infatti, a partire dal XVII secolo, i locali sono stati spesso raffigurati in questo modo, con l'ausilio di una prospettiva lineare LATERALE. Pertanto, le stanze o i corridoi sembrano più realistici. La centralità di Leonardo è molto più rara.
Ma questa non è l'unica differenza tra le prospettive di Leonardo e Vermeer.
In L'ultima cena, guardiamo direttamente al tavolo. Non ci sono altri mobili nella stanza. E se ci fosse una sedia di lato, gettata ad angolo rispetto a noi? In effetti, in questo caso, le linee promettenti andrebbero da qualche parte oltre l'affresco ...
Sì, in ogni stanza, tutto, di regola, è più complicato di quello di Leonardo. Pertanto, esiste anche una prospettiva ANGOLARE.
Leonardo ce l'ha prettamente FRONTALE. Il suo segno è solo un punto di fuga, situato all'interno dell'immagine. In essa si incontrano tutte le linee prospettiche.
Ma nella stanza di Vermeer vediamo una sedia in piedi. E se disegni linee promettenti lungo il suo sedile, si collegheranno da qualche parte al di fuori della tela!
E ora fai attenzione al pavimento al lavoro di Vermeer!
Se disegna linee lungo i lati dei quadrati, le linee convergeranno ... anche fuori dall'immagine. Queste linee avranno i loro punti di fuga. Ma! Ciascuna delle linee sarà sulla stessa linea dell'orizzonte.
Vermeer collega così la prospettiva frontale con quella angolare. E la sedia viene mostrata anche con l'aiuto di una prospettiva angolare. E le sue linee prospettiche convergono in un punto di fuga su un'unica linea dell'orizzonte. Che matematicamente bello!
In generale, utilizzando la linea dell'orizzonte e i punti di fuga, è molto facile disegnare qualsiasi pavimento in una gabbia. Questa è la cosiddetta griglia prospettica. Risulta sempre molto realistico ed efficace.
Ed è da questo piano che è sempre facile capire che il quadro fu dipinto prima del tempo di Leonardo. Perché senza saper costruire una griglia prospettica, il pavimento sembra sempre muoversi da qualche parte. In generale, non molto realistico.
Passiamo ora al prossimo, il XNUMX° secolo.
Jean Antoine Watteau. Insegna del negozio di Gersin.
Nel XNUMX° secolo, la prospettiva lineare era padroneggiata alla perfezione. Questo è chiaramente visibile nell'esempio del lavoro di Watteau.
Spazio perfettamente progettato. Un tale piacere lavorare con. Tutte le linee prospettiche si collegano in un punto di fuga.
Ma c'è un dettaglio molto interessante nella foto...
Presta attenzione alla casella nell'angolo sinistro. In esso, un gallerista mette una foto per l'acquirente.
Se disegna linee prospettiche lungo i suoi due lati, si collegheranno su ... una linea di occhi diversa!
In effetti, un lato è ad angolo acuto e l'altro è quasi perpendicolare alla linea degli occhi. Se hai visto questo, non sarai in grado di ignorare questa stranezza.
Allora perché l'artista è andato a una violazione così evidente delle leggi della prospettiva lineare?
Sin dai tempi di Leonardo, è noto che la prospettiva lineare può distorcere significativamente l'immagine degli oggetti in primo piano (dove le linee prospettiche vanno al punto di fuga con un angolo particolarmente acuto).
Questo è facile da vedere in questo disegno del XVI secolo.
Le basi delle colonne di destra sono quadrate (con lati uguali). Ma a causa della forte pendenza delle linee della griglia prospettica, si crea l'illusione che siano rettangolari! Per lo stesso motivo le colonne, di diametro tondo, a sinistra appaiono ellissoidali.
In teoria, anche le sommità rotonde delle colonne di sinistra dovrebbero essere distorte e trasformarsi in ellissoidi. Ma l'artista li ha raffigurati come rotondi, usando una prospettiva osservativa.
Allo stesso modo, Watteau ha violato le regole. Se avesse fatto tutto bene, la scatola si sarebbe rivelata troppo stretta sul retro.
Pertanto, gli artisti sono tornati alla prospettiva dell'osservazione e si sono concentrati su come il soggetto sarebbe apparso più organico. E deliberatamente è andato ad alcune violazioni delle regole.
Passiamo ora al XNUMX° secolo. E questa volta vediamo come l'artista russo Ilya Repin ha combinato prospettive lineari e osservative.
Ilya Repin. Non ho aspettato.
A prima vista, l'artista ha costruito lo spazio secondo lo schema classico. Solo la verticale viene spostata a sinistra. E se vi ricordate, gli artisti dopo il tempo di Leonardo hanno cercato di evitare un'eccessiva centratura. In questo caso, è più facile "posizionare" gli eroi lungo il muro di destra.
Si noti inoltre che le teste dei due personaggi principali, il figlio e la madre, finiscono in angoli prospettici. Sono formati da linee prospettiche che corrono lungo le linee del soffitto fino al punto di fuga. Ciò sottolinea la relazione speciale e persino, si potrebbe dire, la relazione dei personaggi.
E guarda anche come Ilya Repin risolve abilmente il problema delle distorsioni prospettiche nella parte inferiore dell'immagine. A destra, posiziona oggetti rotondi. Quindi, non c'è bisogno di inventare nulla con gli angoli, come ha dovuto fare Watteau con il suo box.
E Repin fa un altro passo interessante. Se disegniamo linee prospettiche lungo le assi del pavimento, otteniamo qualcosa di strano!
Non si uniranno in un solo punto di fuga!
L'artista ha optato deliberatamente per l'uso della prospettiva osservativa. Pertanto, lo spazio sembra più interessante, non così schematico.
E ora passiamo al XNUMX° secolo. Penso che tu abbia già intuito che i maestri di questo secolo non hanno particolarmente resistito alla cerimonia con lo spazio. Ne saremo convinti dall'esempio dell'opera di Matisse.
Henri Matisse. Officina rossa.
Già a prima vista è chiaro che Henri Matisse ha rappresentato lo spazio in un modo speciale. Si discostava chiaramente dai canoni formatisi nel Rinascimento. Sì, anche Watteau e Repin hanno fatto delle imprecisioni. Ma Matisse ha chiaramente perseguito altri obiettivi.
È immediatamente evidente che Matisse mostra alcuni degli oggetti in prospettiva diretta (tavolo), e alcuni al contrario (sedia e cassettiera).
Ma le caratteristiche non finiscono qui. Disegniamo le linee prospettiche del tavolo, della sedia e dell'immagine sulla parete sinistra.
E poi troviamo subito TRE orizzonti. Uno di questi è fuori dall'immagine. Ci sono anche TRE verticali!
Perché Matisse complica così tanto le cose?
Si prega di notare che inizialmente la sedia sembra in qualche modo strana. Come se stessimo guardando la traversa superiore della sua schiena da sinistra. E per il resto della parte - a destra. Ora guarda gli oggetti sul tavolo.
Il piatto giace come se lo guardassimo dall'alto. Le matite sono leggermente inclinate all'indietro. Ma vediamo un vaso e un bicchiere di lato.
Possiamo notare le stesse stranezze nella rappresentazione dei dipinti. Quelli che sono appesi ci guardano dritti. Come l'orologio a pendolo. Ma i dipinti contro il muro sono raffigurati un po' di lato, come se li guardassimo dall'angolo destro della stanza.
Sembra che Matisse non volesse che esaminassimo la stanza da un punto, da un'angolazione. Sembra che ci conduca in giro per la stanza!
Così siamo andati al tavolo, ci siamo chinati sul piatto e l'abbiamo esaminato. Girò intorno alla sedia. Poi siamo andati alla parete più lontana e abbiamo guardato i quadri appesi. Poi abbassarono lo sguardo a sinistra, verso le opere in piedi sul pavimento. Eccetera.
Si scopre che Matisse non ha rotto la prospettiva lineare! Ha semplicemente rappresentato lo spazio da diverse angolazioni, da diverse altezze.
D'accordo, è affascinante. Come se la stanza prendesse vita, ci avvolgesse. E il colore rosso qui non fa che aumentare questo effetto. Il colore aiuta lo spazio ad attirarci...
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Succede sempre così. Innanzitutto, vengono create le regole. Poi iniziano a romperli. Timido all'inizio, poi più audace. Ma questo non è, ovviamente, fine a se stesso. Questo aiuta a trasmettere la visione del mondo della sua epoca. Per Leonardo, questo è il desiderio di equilibrio e armonia. E per Matisse: movimento e un mondo luminoso.
Sui segreti della costruzione dello spazio - nel corso "Diario di un critico d'arte".
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Un ringraziamento speciale per l'aiuto nello scrivere l'articolo a Sergey Cherepakhin. È stata la sua capacità di affrontare le sfumature delle costruzioni prospettiche nella pittura che mi ha ispirato a creare questo testo. Divenne il suo coautore.
Se sei interessato all'argomento della prospettiva lineare, scrivi a Sergey (cherepahin.kd@gmail.com). Sarà felice di condividere i suoi materiali su questo argomento (compresi i dipinti menzionati in questo articolo).
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