Museo del Prado. 7 dipinti da vedere

Ho iniziato la mia conoscenza con il Museo del Prado con un'edizione regalo del libro. In quei tempi antichi, Internet via cavo era solo un sogno ed era più realistico vedere le opere degli artisti in forma stampata.

Poi ho appreso che il Museo del Prado è considerato uno dei musei più importanti del mondo ed è uno dei venti più visitati.

C'era un desiderio ardente di visitarla, anche se a quel tempo un viaggio in Spagna sembrava qualcosa di irraggiungibile (mi muovevo esclusivamente in treno, anche se impiegavo due giorni per viaggiare da una città all'altra! L'aereo era un mezzo di trasporto troppo lussuoso ).

Tuttavia, 4 anni dopo aver acquistato il libro sul museo, l'ho visto con i miei occhi.

Sì, non sono rimasto deluso. Sono stato particolarmente colpito dalle collezioni di Velasquez, Rubens, Boschi и Goia. In generale, questo museo ha qualcosa da impressionare un amante della pittura.

Voglio condividere la mia mini-raccolta dei lavori più preferiti.

1.Francisco Goya. Lattaia di Bordeaux. 1825-1827

Goya ha dipinto il quadro "La lattaia di Bordeaux" negli ultimi anni della sua vita, quando viveva già in Francia. L'immagine è triste, minore e allo stesso tempo armoniosa, concisa. Per me, questa immagine è come ascoltare una melodia piacevole e leggera, ma triste.

L'immagine è stata dipinta nello stile dell'impressionismo, anche se passerà mezzo secolo prima del suo massimo splendore. Il lavoro di Goya ha influenzato seriamente la formazione dello stile artistico di Manet и Renoir.

2. Diego Velasquez. Menina. 1656

"Las Meninas" di Velasquez è uno dei pochi ritratti di famiglia su misura, durante la cui creazione nessuno ha limitato l'artista. Ecco perché è così insolito e interessante. Potrebbe comportarsi solo così Francisco Goya: 150 anni dopo dipinge ritratto di un'altra famiglia reale, concedendosi anche delle libertà, seppur di natura diversa.

E cosa c'è di veramente interessante nella trama dell'immagine? I presunti protagonisti sono dietro le quinte (la coppia reale) e vengono visualizzati in uno specchio. Vediamo cosa vedono: Velasquez li dipinge, la sua bottega e sua figlia con le ancelle, che si chiamavano meninas.

Un dettaglio interessante: non ci sono lampadari nella stanza (solo ganci per appenderli). Si scopre che l'artista ha lavorato solo alla luce del giorno. E la sera era occupato con gli affari di corte, che lo distraevano molto dalla pittura.

Leggi il capolavoro nell'articolo Las Meninas di Velásquez. Sulla foto con un doppio fondo ".

3. Claude Lorrain. Partenza di Santa Paola da Ostia. 1639-1640 Sala 2.

Ho incontrato Lorrain per la prima volta in... un appartamento in affitto. Vi era appesa una riproduzione di questo paesaggista. Anche lei ha trasmesso come l'artista sapeva come rappresentare la luce. Lorrain, tra l'altro, è il primo artista che ha studiato a fondo la luce e la sua rifrazione.

Pertanto, non sorprende che, nonostante l'estrema impopolarità della pittura di paesaggio in epoca barocca, Lorrain sia stato comunque un maestro famoso e riconosciuto durante la sua vita.

4. Peter Paul Rubens. Sentenza di Parigi. 1638 Sala 29.

Il Museo del Prado ospita una delle collezioni più significative delle opere di Rubens (78 opere!). Le sue opere pastorali sono molto piacevoli alla vista e create principalmente per il piacere della contemplazione.

Dal punto di vista estetico, è difficile individuarne uno tra le opere di Rubens. Tuttavia, mi piace particolarmente il dipinto "Il giudizio di Parigi", piuttosto a causa del mito stesso, la cui trama è stata rappresentata dall'artista: la scelta della "donna più bella" ha portato alla lunga guerra di Troia.

Leggi un altro capolavoro del maestro nell'articolo Caccia al leone di Rubens. Emozioni, dinamismo e lusso in un'unica immagine».

5. El Greco. Favola. 1580 Sala 8b.

Nonostante El Greco abbia tele molto più famose, questo dipinto mi colpisce di più. Non è del tutto tipico per l'artista, che spesso dipinge su temi biblici con caratteristici corpi allungati e volti dei personaggi raffigurati (il pittore, tra l'altro, assomiglia agli eroi dei suoi dipinti - lo stesso magro con una faccia lunga).

Come suggerisce il nome, questo è un dipinto allegorico. Sul sito del Museo del Prado viene avanzata l'ipotesi che una brace che divampa da un piccolo respiro significhi un desiderio sessuale facilmente lampeggiante.

6. Hieronymus Bosch. Il giardino delle delizie. 1500-1505 Sala 56a.

Se ti piace Bosch, il Museo del Prado ha la più grande collezione delle sue opere (12 opere).

Naturalmente, il più famoso di loro - Il giardino delle delizie. Puoi stare di fronte a questa immagine per molto tempo, considerando un gran numero di dettagli sulle tre parti del trittico.

Bosch, come molti dei suoi contemporanei nel Medioevo, era un uomo molto pio. È ancora più sorprendente che non ti aspetteresti un tale gioco di immaginazione da un pittore religioso!

Leggi di più sul dipinto negli articoli: Il "Giardino delle delizie" di Bosch: qual è il significato del quadro più fantastico del Medioevo?.

7. Robert Campin. Santa Barbara. 1438 Sala 58.

Ovviamente sono rimasto scioccato da questo pittura (questa è l'ala destra del trittico; anche l'ala sinistra è conservata nel Prado; la parte centrale è andata perduta). Era difficile per me credere che nel XV secolo creassero un'immagine letteralmente fotografica. Ecco quanta abilità, tempo e pazienza sono necessarie!

Ora, ovviamente, sono pienamente d'accordo con la versione dell'artista inglese David Hockney secondo cui tali dipinti sono stati dipinti usando specchi concavi. Hanno proiettato gli oggetti visualizzati sulla tela e hanno semplicemente fatto il giro del maestro, da qui tale realismo e dettaglio.

Dopotutto, non per niente il lavoro di Campin è così simile al lavoro di un altro artista fiammingo più famoso, Jan van Eyck, che possedeva anche questa tecnica.

Tuttavia, questa immagine non perde il suo valore. Dopotutto, abbiamo infatti un'immagine fotografica della vita delle persone del XV secolo!

Solo mettendo in fila le mie opere preferite del Museo del Prado, mi sono reso conto che la copertura temporale si è rivelata seria: il XV-XIX secolo. Questo non è stato fatto intenzionalmente, non avevo l'obiettivo di mostrare epoche diverse. È solo che i capolavori che è difficile non apprezzare sono stati creati in ogni momento.

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